Artémisia, Vierge allaitant (1616-18) © Mathieu Ferrier, Paris

J’arrive un peu après la bataille: Jusqu’au 15 juillet, le musée Maillol à Paris présente une exposition de la peinture d’Artemisia (Artemisia Lomi Gentileschi). Voilà ce que dit le communiqué de Presse:

À l’aube du XVIIe siècle en Italie, quand les femmes étaient mineures à vie, quand elles appartenaient à leur père, à leur mari, à leurs frères ou à leurs fils, Artemisia Gentileschi a brisé toutes les lois de la société en n’appartenant qu’à son art.

En quête de sa propre gloire et de sa liberté, elle a travaillé pour des princes et des cardinaux, gagné sa vie à la force de son pinceau, et construit son œuvre, inlassablement.

Par son talent et sa force créatrice, elle est devenue l’un des peintres les plus célèbres de son époque, l’une des plus grandes artistes de tous les temps.

Le drame de sa vie personnelle, le viol qu’elle a subi dans sa jeunesse, et le retentissant procès que son père intentera par la suite à son agresseur, l’artiste Agostino Tassi, ont profondément marqué sa vie et sa carrière. Ce scandale a contribué à occulter son génie. En effet, comme Le Caravage, il a fallu attendre plus de trois siècles pour qu’elle soit à nouveau reconnue et universellement appréciée.

Pour la première fois en France, l’exposition au Musée Maillol permet de découvrir la peinture d’Artemisia Gentileschi.

J’ai eu envie de présenter Artemisia ce vendredi parce qu’au-delà de l’esthétique et de la perfection technique de ses peintures, qui rappellent celles du Caravage, son travail, à mon sens, a une  résonnance politique: C’est une véritable féministe!

Artemisia et les femmes fortes

De ce tableau de la Madone à l’enfant, que j’ai choisi pour illustrer cet article, se dégage un certain apaisement: Les couleurs pâles, la lumière, les boucles blondes de l’enfant et de sa mère, la rondeur du sein maternel, tout n’est que grâce et douceur.

Mais ce tableau, peint par Artemisia après son arrivé à Florence, est loin de son registre habituel, car ses sujets féminins sont des héroïnes qui ont marqué l’Histoire ou la Mythologie par leur force : Ce n’est pas la douceur ou  la maternité qui définissent les personnages qu’admire Artemisia, mais leur détermination, leur combativité, voire leur violence, en particulier les femmes: Cléopâtre, Judith, Danaé, Corisca, Minerve!

Artemisia Gentileschi, Cléopâtre (1635) © Collection particulière

Pour Moïra Sauvage :

Mais ce qui frappe aujourd’hui lorsqu’on contemple son œuvre, c’est, plus que les influences de l’époque, le caractère qui s’en dégage : outre la taille impressionnante des tableaux, la force des personnages en mouvement croise une vitalité dont on ne peut que deviner qu’elle était celle de l’artiste elle-même.

Si les sujets tirés de l’Antiquité ou de la religion catholique peuvent sembler un peu trop classiques à notre goût contemporain – Samson et Dalila, allégorie de la peinture ou portrait de la déesse Minerve – on ne peut rester insensible aux regards qui s’échappent du cadre de la toile en en libérant l’espace, aux figures en perpétuelle action, à la présence, enfin, des drapés et des couleurs chatoyantes qui, par-delà les siècles, viennent brosser le portrait d’une indomptable.

Artemisia et la dénonciation de la condition féminine

Dès sa première toile, Artemisia semble dénoncer ce qu’elle subit en tant que femme: Tutelle de son père, enseignement artistique au prix de viols répétés de son professeur,  un procès où elle est victime et pourtant torturée dans le but de lui faire confesser son mensonge ou sa culpabilité.

Atelier d’Artemisia Gentileschi, Suzanne et les vieillards (vers 1650)

Ainsi, les tableaux Suzanne et les Vieillards et Bethsabée au bain montrent la vulnérabilité et l’impuissance des femmes face au regard des hommes. Deux peintures dont l’ambiance même mettent mal à l’aise et qui traduisent le harcèlement dont Artemisia a sans doute fait l’objet. Pour Cécile Aktouf d’Osez le féminisme:

Elle dut sacrifier aux contraintes de l’époque, trouver un époux – qui serait aussi un prête-nom – en la personne d’un peintre sans talent mais qui la laissa affirmer le sien. Ils eurent aussi ensemble quatre enfants – dont une seule survécut – et des dettes. Elle le quitta donc. Pour être vraiment autonome, une seule solution s’offrait à elle : appartenir à l’Académie de dessin de Florence puisque le seul fait d’en être membre conférait la capacité juridique. A 23 ans elle y fut la première femme admise.

Artemisia n’est pas une victime: la déclinaison des tableaux de Judith

Artemisia a été victime de  viols répétés, puis a été trompée par son agresseur qui lui avait promis de l’épouser pour réparer ce viol. Elle a en outre subi les humiliations des soupçons, des tortures et des calomnies lors du procès qui y a fait suite. Mais loin d’en sortir martyre, l’artiste a puisé de cet épisode de sa vie une force phénoménale, qui a probablement donné naissance aux huit tableaux déclinés de Judith décapitant Holopherne, sûrement les peintures les plus significatives de son œuvre. Par ces tableaux, elle semble se rendre elle-même justice, puisque Judith a les traits d’Artemisia alors qu’ Holopherne, qui s’est laissé séduire par sa beauté, a le visage de son violeur (Je dois citer le point de vue inverse cependant: AC Husson s’interroge dans cet article sur le bienfondé de cette interprétation de cette série de tableaux). Je cite un passage du livre d’Alexandra Lapierre trouvé sur ce blog:

Ils découvraient en cet instant, chez Artémisia Lomi, la violence d’un grand tableau de l’école de Caravage, noir, bleu, rouge et or, cette Judith décapitant Holopherne, dont le cardinal Scipion Borghese avait naguère admiré l’esquisse.
Au premier plan, sur les draps d’un lit, la lame de l’épée posée bien à plat et les rigoles de sang qui ruissellent hors du cadre, sous l’œill du spectateur.
Au second plan, la tête renversée d’Holopherne, la bouche ouverte dans un cri muet, le regard révulsé qui cherche les yeux du public, implore son secours.
Puis la main gauche de Judith, agrippant les cheveux de sa victime, qui pèse de tout son poids sur sa tempe.
Enfin, les avant-bras de Judith, deux lignes parallèles qui captent la lumière et conduisent jusqu’aux manches de sa robe, jusqu’à son visage…
Chacun, ici, connaissait toutes les variantes, tous les secrets du thème qui avait inspiré les plus grands artistes florentins: la Judith du sculpteur Donatello brandissait la tête d’Holopherne dans un des salons du Palazzo Vecchio; la Judith de Michel-Ange fuyait la tente du tyran, au plafond de la chapelle Sixtine…
Mais la sauvagerie de cette Judith-là, sa joie en tranchant le cou du despote, sa façon puissante d’user de l’épée comme d’un couteau de cuisine; et puis le réalisme du sang, la précision de l’anatomie d’Holopherne: les muscles de ses bras bandés dans l’effort pour repousser les coups, ses jambes qui s’ouvraient et s’arc-boutaient… Jamais scène de meurtre n’avait été peinte avec une violence aussi crue!

Artemisia Gentileschi, Judith et Holopherne (1612) © Fototeca Soprintendenza per il PSAE e per il Polo museale
della città di Napoli

On a longtemps considéré Artemisia comme un imposteur: Ses toiles étaient trop parfaitement réalisées pour avoir été peintes par une femme!

Mais cette exposition lui rend tous les honneurs qui lui sont dus aujourd’hui. En tant que peintre, Artemisia s’est démarquée par son style cru et réaliste. Elle ne s’est pas contentée d’une peinture esthétisante de commande mais a su lui insuffler une âme, et utiliser son œuvre pour transmettre un message fort, ce qui la rende unique. Et en tant que femme, elle a su de dégager des carcans de son sexe pour mener sa vie comme elle l’entendait. Une belle leçon de féminisme donc: voilà qui met en perspective la récente campagne « Science is a girl thing »!

Je laisse le dernier mot à Aurore Mosnier, qui conclut sur cette exposition:

Artemisia Gentileschi est longtemps restée une peintre oubliée. Elle n’a été redécouverte qu’au début du XXe siècle ce qui explique sans doute les difficultés d’attribution de certaines œuvres. Le visiteur retiendra sans doute ses œuvres à dimension dramatique, style dans lequel elle laisse exploser tout son talent. A elle seule, Artemisia évoque toute une époque, la notion de femme artiste et la condition de la femme dans la société. Si vous ne devez voir qu’une seule exposition cette saison, vous l’avez trouvée.

Drenka